"Era da qualche centinaio di proiettili che avevo smesso di raccogliere prove"

Anno 1999, i registi Larry ed Andy Wachowsky assieme al tecnico John Gaeta, rivoluzionaro il mondo degli effetti speciali creando per il film “Matrix”, il “Bullet Time”. Questa tecnica utilizza l’interpolazione d’immagine per creare una sorta di inquadratura rallentata tridimensionale della scena, illudendo permettendo allo spettatore di vedere simultaneamente la scena rallentata da più angolazioni simultaneamente e fluidamente.

Anno 2001 Remedy crea per la software house Rockstar North, “Max Payne”. Il gioco fondeva il “Bullet time” all’interno di una gioco d’azione in terza persona, coronato da una storia raccontata in puro sile noir anni sessanta. “Max Payne” mostrò al mondo qualcosa di assolutamente nuovo, una fusione di più media possibile grazie al sapiente uso della creatività.

Due date quelle citate entrambi importanti per diversi motivi. “Matrix” prima e “Max Payne” poi hanno entrambi contribuito a portare qualcosa di nuovo al genere di rispettiva appartenenza, ed ora a pochi giorni dall’uscita nelle nostre sale della trasposizione cinematografica tentiamo d’immaginare cosa potrà proporre la pellicola diretta da John Moore. Il gioco creato da Remedy racconta la storia di un poliziotto, che dopo aver perso moglie e figlia, cerca vendetta per placare la sua rabbia e iniziare una nuova vita. Ambientato in una gelida New York in cui impazza una bufera di neve, Max compirà la sua vendetta, portando a termine allo stesso tempo l’indagine sul traffico della nuova droga chiamata “Valchiria”, responsabile tanto quanto gli uomini della distruzione della sua vita. Le trasposizioni di videogiochi negli ultimi anni hanno regalato film dalla qualità scostante (Doom, DOA), ma anche saghe amate dal pubblico (e molto poco dalla critica), come quella di “Resident Evil” diretta dallo “specialista del genere” Paul W.S.Anderson (“Punto di non ritorno”). Ma mentre film come “Resident Evil” o “Silent Hill”, puntavano tutto sull’estetica e sopratutto sull’intrusione nel mondo “reale” di creature fantastiche come mostri ed altro, “Max Payne” proprio come i film d’azione racconta, la straordinaria situazione con cui si ritrova volente o nolente a fare i conti un uomo qualsiasi che per l’occasione si rivela essere la figura sbagliata, nel posto sbagliato, al momento giusto. Il protagonista infatti ricorda il John McClane dei tempi migliori (con battute al vetriolo annesse), obbligato a farsi strada in solitaria per ottenere la giustizia che le forze dell’ordine corrotte non vogliono aiutarlo ad ottenere. Vestito di un trench nero ed armato di una cafoneria unica, il protagonista s’imbatte in ogni tipo di bizzarra situazione prima di arrivare alla fine e la sua voce fuori campo, ricorda costantemente che anch’egli può morire e vivere emozioni. Ecco quindi che il gioco, illusioni dovute alla droga a parte, non presenta come in altri prodotti analoghi e non, elementi paranormali o fantastici, tagliando la possibilità di seguire la stessa strada votata alla rifinitura estetica dell’elemento fantastico intrapresa dai titoli sopra citati, ma anzi al contrario, dovrà costruirsi una nuova e solida identità filmica utilizzando solo come base di partenza il plot e gli eventi utilizzati per dar vita al gioco, che già di suo contiene citazioni cinematografiche a non finire. Ecco quindi che John Moore ha la possibilità di creare un prodotto unico nel suo genere, la prima trasposizione di un’opera videoludica di chiara contaminazione cinematografica (cinema che diventa videogioco e che ritorna ad essere cinema). Un compito difficile quello affidato al regista Irlandese, che dovrà dar vita ad un film le cui fondamenta nascono su un prodotto già largamente  intriso dello stessa di materia che egli deve nuovamente plasmare, creando a sua volta un prodotto dalla bene delineata personalità visivo/narrativa. Ecco quindi che tra ovvie citazioni al gioco, sarà difficile ed allo stesso tempo accattivante vedere come il regista ha creato uno prodotto che non ricordi le fonti d’ispirazione originali (“Matrix” su tutte per quanto riguarda la parte puramente action), ed allo stesso tempo non snaturi il clima che ogni fan del videogioco si aspetta di ritrovare sul grande schermo. Il rischio in questi casi è quello di ritrovarsi tra le mani una pellicola spesso sbilanciata a favore dei fan del gioco, oppure che si ispira liberamente allo stesso realizzando una visione, o meglio rivisitazione, personale che favorisce solitamente chi si ritrova davanti luoghi, fatti e personaggi per la prima volta. Ormai manca pochissimo all’uscita nelle sale italiane di “Max Payne”, non ci resta che dire ai dubbiosi di incrociare le dita, ed a tutti gli altri di andare a vedere se la scommessa di John Moore potrà o meno dirsi vinta. “Max Payne” interpretato da Mark Wahlberg ha per ora già collezionato la sua vittoria al box office mondiale, portando molti più soldi di quelli spesi per realizzarlo. Questo sebbene non sia un attestato sull’effettiva qualità del film, crea almeno la speranza di non ritrovarsi tra le mani, l’ennesima trasposizione tutta effetti speciali e niente anima.

Con un candido marchio in bianco e nero quasi dimenticato della UNIVERSAL inizia “Changeling” di Clint Eastwood, introducendo il racconto con una scritta che poco spazio lascia a interpretazioni o allusioni di sorta riguarda a ciò che la seguirà, ossia “Una storia vera”. Nella Los Angeles del 1928 una madre di nome Christine Collins (Angelina Jolie), lotta contro la polizia dipartimentale, a causa del mai ritrovato figlio scomparso: Walter Collins. Ad aiutare la signora il reverendo Briegleb (John Malkovich), il quale sembra avere come solo ed unico scopo nella vita, lo smascheramento della peggiore forza pubblica degli Stati Uniti d’America. Il nuovo film di Clint Eastwood a parte il titolo ha ben poco a che spartire con il film di Peter Medak del 1980, ma al contrario nella pellicola del regista californiano troviamo echi di un cinema che sembrava dissolto e sparito da anni, o forse il cinema è sempre rimasto lo stesso e noi spettatori siamo cambiati nel tempo, ed il nostro sguardo preferisce altre immagini (romantiche?) a quelle classiche (drammatiche?). Un po’ come la polizia del film vuol far credere alla madre che il figlio ritrovatole sia il suo, calpestando il rispetto verso l’affetto materno, si fatica ad ammettere che una pellicola tanto classica possa al tempo stesso essere incredibilmente fresca e moderna, lavorando pure di citazioni che pescano da un passato cinematografico che sempre più stiamo dimenticando. “Changeling” in un colpo solo dimostra come la cura riposta verso una narrazione semplice ed efficace, unita ad un minimalismo dell’immagine che lavora di cesello per descrivere emozioni, sono assieme elementi molto più potenti dell’autorialismo contemporaneo ostentato dai “nuovi autori” (ma anche dai nuovi critici che cridano sempre più facilmente al genio ed al capolavoro), che di fronte ad un regista con più di ottant’anni sulle spalle, devono chinare il capo, mettere da parte la superbia ed iniziare a studiare come realizzare, i primi, ed analizzare, i secondi,  in modo asciutto e moderno un drammatico film classico. “Changeling” è una pellicola in eterna caduta verso l’inferno cosciente di ciò (la macchina da presa apre “il sipario” dall’alto al basso e lo richiude al contrario), e non ha paura di rischiare citando/rielaborando il cinema di Fritz Lang, che con “M – Il mostro di Dussendorf” creò uno dei più grandi mostri della storia moderna. La pellicola eastwoddiana diventa quindi citazionista oltreché riflessiva, raggiungendo piena maturità in un campo che il regista americano aveva fino ad ora esplorato demonizzando il suo passato d’attore (basti pensare a commedie come “Bronco Billy” o thriller come “Debito di sangue”). “Changeling” rivisita il mostro tedesco e lo contestualizza nell’America corrotta d’inizio anni trenta, dove non basta solo più il diavolo per rapire un bambino, ma serve addirittura un altro infante per adescare una vittima. Ma contro di lui c’è l’amore materno che può contare solo sulla speranza presente in fondo al cuore, dato che il mondo che partorisce nel grembo crimini e criminali, gira le spalle a chi ha bisogno di aiuto. Clint Eastwood dirige quindi un dramma sociale a tutto tondo, pieno di sentimenti e che lancia aspre critiche su di un futuro che ricorda troppo spesso “i bei tempi andati”, che tanto migliori degli attuali non erano. Il regista americano continua ad esplorare la coscienza di una nazione che sembra non imparare dai propri errori, ma al contrario cerca riparo da essi in qualcuno capace di porvi rimedio (la frase: “fuori piove acqua, grandine e democratici. E chissà se questo è un bene?”, non può non essere contestualizzata ai giorni odierni dove l’America sta forse vivendo un parallelo temporale con l’epoca in cui è ambientato il film). “Changeling” vede nella forza femminile (Pandora?) l’unica speranza perché l’equilibrio venga risanato, ed oggi a sto punto non possiamo far a meno d’iniziare a domandarci se “l’uomo moderno” non abbia davvero fatto il suo percorso e debba finalmente lasciare spazio all’altro sesso.

Pubblicata su NEXTPLAY.IT